Meilleurs spectacles à Sydney le 2 juin

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THÉÂTRE Consentement ★★★★ Seymour Centre Reginald Theatre, jusqu'au 24 juin

La pièce Consent de Nina Raine ne se contente pas de nous poser des questions, elle nous contre-interroge. La morale est-elle innée ? Y a-t-il des degrés de viol ? Si vous aimez quelqu'un, devez-vous aussi aimer ses défauts ? Devez-vous vivre le même incident traumatisant pour vraiment faire preuve d'empathie ?

Anna Samson, Jennifer Rani, Anna Skellern et Jeremy Waters jouent dans Outhouse Theatre Co's Consent.Crédit : Phil Erbacher

Le contre-interrogatoire, nous dit Tim, est une forme de communication très préjudiciable, et il devrait savoir : il est avocat. En fait, cinq des sept personnages de Raine sont des avocats, alors ils argumentent savamment. Une ou deux fois, la voix de la dramaturge perce à travers les débats, mais sinon elle les laisse se déchirer en lambeaux. Être témoin de leurs querelles, de leurs mensonges, de leur manipulation, de leur luxure et de leur adultère, c'est presque comme regarder un sport sanglant, sauf que dans le sport, il y a généralement quelqu'un à encourager. Ici, la plupart des personnages ne sont pas seulement imparfaits, ils sont antipathiques et piqués de vices – mais nous regardons captivés.

La pièce tourne autour de deux couples dont les relations se décomposent : Jake (Jeremy Waters) et Rachel (Jennifer Rani), tous deux avocats, et Kitty (Anna Samson) et Edward (Nic English), qui est également avocat. Tim (Sam O'Sullivan) est leur collègue malheureusement célibataire. Zara (Anna Skellern), une amie de Kitty, est également célibataire. Enfin, Jessica Bell joue une avocate ainsi que Gayle, une victime de viol dans une affaire poursuivie par Tim, avec Edward représentant l'accusé invisible.

« Qui est mon avocat ? Gayle demande à Tim, seulement pour se faire dire qu'elle n'en a pas. Seul l'accusé le fait. La nature accusatoire du système judiciaire fait partie des cibles de Raine, tout comme l'égoïsme qui pollue nos relations, tandis que son esprit s'attaque à la puérilité dominante des adultes avides de sexe. Les hommes, avec leurs cravates fines et leurs chemises pendantes comme leurs langues après une énième grosse soirée sur les turps, ressemblent même à des écoliers dans la production exceptionnelle du réalisateur Craig Baldwin pour Outhouse Theatre.

Outhouse Theatre Co, généralement associé à de nouvelles œuvres américaines, présente ici la première australienne de cette pièce londonienne du dramaturge britannique Raine. Elle nous donne un avilissement de l'esprit humain, mêlé d'humour pointu et d'une enquête sur la nature de la vérité. Les sept acteurs excellent, avec Jessica Bell comme un fusible allumé dans la scène de confrontation majeure de Gayle. L'ensemble froid et réfléchi de Soham Apte permet la fluidité requise du temps et du lieu, et la musique d'Eliza Jean Scott est aussi profondément troublante que le fait que la boussole morale de chacun s'est détraquée. C'est un théâtre tendu, captivant et étonnamment drôle.

Revu par John Shand

MUSIQUE Sleaford Mods ★★★★½ Opéra Joan Sutherland Theatre, 2 juin

Deux hommes en short et T-shirts, prêts à danser et à détruire.

L'un, barbu, est responsable des sons mais n'a plus qu'à déclencher l'ordinateur, lui permettant de danser, les membres allant çà et là, comme s'il s'était promené dans la fête, l'avait trouvé à son goût et ne partirait pas avant le lever du soleil. Il s'appelle Andrew Fearn.

L'autre, non barbu, commence par serrer le micro et une boisson (non alcoolisée) dans une main tandis que l'autre effleure rituellement, presque indépendamment, le côté de sa tête et de son oreille rases. Il s'appelle Jason Williamson.

Nous n'avons pas pu nous empêcher de danser et de rire de Sleaford Mods dans le cadre de Vivid Live.Crédit : Daniel Boud

Et il bouge aussi, comme un Sharpie de Melbourne vers 1974, tous les coudes et les genoux en mouvement, accouplés à la danse folle de Madness, toutes les hanches et les épaules carrées, avant de faire tournoyer ses mains sur ses hanches et de rejeter ses épaules en arrière dans la splendeur du camp.

"Oh ouais, pas un autre groupe d'aggro de mecs blancs" - euh-euh, Sleaford Mods est entré devant vous. Sauf que non.

Ils dancent. Nous dansons. Dansez sur la machinerie steampunk, la lourde presse emboutissant des feuilles de métal, la sirène à travers un long tuyau profond. Dansez sur la pop synthé qui penche peut-être plus souvent vers Sheffield granuleux que Londres dandifiée, mais la différence n'est pas tellement quand vous transpirez.

Dansez aussi au son de la vitesse des motards avec un chasseur de bière, rythmé par les aboiements et les cris de Williamson, et Fearn revisitant les séductions death-disco de Suicide mélangées d'une manière ou d'une autre à la grandeur cinématographique de John Barry.

Ailleurs dans le torrent de sons étroits, vous pouvez entendre l'aggravation et la provocation de Public Image Ltd et le marteau perforateur de Nine Inch Nails, la danse verticale à piquer dans l'œil d'Amyl and the Sniffers et les interjections verticales de Public Enemy's Bomb Squad.

Nous ne faisons pas que danser, nous rions aussi. À la sauvagerie dirigée contre les marchands d'argent sans vergogne vénaux et à la moquerie des fiers de la maison ("mort à votre bricolage"), au dégoût pour le faux bourdonnement de "Boris Johnson et les filles effrontées" et à la sympathie pour le vrai tâtonnement des bien intentionnés.

Williamson est plein d'esprit et brutal et conscient de lui-même. Et malgré l'apparence de quelqu'un à bovver (ou qui obtient son équipement pour "5 livres 60, minuit passé / Il aurait pu me facturer le double du prix"), il respecte et empathie tout aussi bien. C'est pourquoi des femmes comme Florence Shaw de Dry Cleaning, Amy Taylor d'Amyl and the Sniffers et Billy Nomates partagent toutes la scène (via des voix échantillonnées) avec elles. Tout comme Perry Farrell, d'ailleurs.

Ou peut-être qu'eux aussi veulent danser "même lorsque votre cœur est suspendu comme un tabouret lâche qui ne tombera pas / Même la menace d'un AVC qui frotte les os ne vous fera pas arrêter". Cela a du sens quand nous disons tous : "Je veux tout comme un gateau de forêt de crack/Je me drogue dans la tête pour pouvoir encore aller au lit/Alors que je martèle les dalles de ce paysage de rêve en X".

Revu par Bernard Zuel

MUSIQUEWeyes Blood ★★★★Opéra Joan Sutherland Theatre, 1 juin

De temps en temps, il vous suffit de vous asseoir dans l'obscurité et de laisser un artiste toucher votre cœur. Le premier des deux spectacles de Weyes Blood à l'Opéra pour Vivid Live était l'une de ces soirées.

La grande prêtresse de la pop de chambre folklorique et maussade, Weyes Blood, alias Natalie Mering, associe sa voix magnifique à des chansons déchirantes teintées des années 70 de déconnexion et d'isolement. La plupart arrivent dans des vagues de sons baroques luxuriants qui complètent sa voix et accentuent le drame.

L'ensemble Vivid Live de Weyes Blood a réussi à équilibrer les moments explosifs et retenus.Crédit: Jordan Munns

Mering a débuté avec It's Not Just Me, It's Everybody, l'ouverture de son nouvel album, qui a servi de prélude à la catharsis à venir. Douce au début, la ballade au piano rêveuse a évolué sur six minutes et nous a laissés à la dérive mais réconfortés par l'idée que tout le monde souffrait aussi.

Le prémonitoire A Lot's Gonna Change a renforcé le thème, une chanson de Titanic Rising de 2019 qu'elle a jouée pour la dernière fois en Australie en mars 2020 alors que le monde était au bord du bouleversement.

Il est tentant de désigner les pistes de 2019 comme les points forts. Le stellaire Andromeda et l'amusant Everyday, avec sa faible ambiance Beach Boys, étaient les plus édifiants, et le rappel de Something to Believe (la "thèse du set") et une interprétation acoustique solo de Picture Me Better ont terminé le spectacle en beauté.

Mais le moment le plus obsédant a été le récent single God Turn Me into a Flower, où un instrumental plus clairsemé a permis à la voix de Mering de briller. Les changements d'accords et les crescendos sont apparus alors que Mering disparaissait en silhouette devant un collage de visuels du réalisateur de documentaires Adam Curtis. Figure fantomatique drapée d'une cape blanche, Mering a ravi les fans alors qu'elle voletait sur la scène comme si elle était une flamme de bougie.

L'ensemble a trouvé un bon équilibre entre les moments grandiloquents et les moments en sourdine, et pour tous les thèmes de la solitude, il y avait un sentiment retentissant d'espoir et d'optimisme. Si Weyes Blood était un fantôme à l'Opéra, elle était heureuse.

Weyes Blood se produit également à l'Opera House Joan Sutherland Theatre le dimanche 4 juin.

Revu par Michael Ruffles

THÉÂTRE The Lucky Country ★★★★½ Hayes Theatre, jusqu'au 17 juin

Quelle est l'identité de l'Australie en tant que pays ? Qui sont les Australiens, exactement, et que défendons-nous ? Dans The Lucky Country, une nouvelle comédie musicale de chambre avec la musique et les paroles de Vidya Makan en collaboration avec la réalisatrice Sonya Suares, la création de mythes nationaux est bouleversée depuis longtemps.

Milo Hartill, l'écrivain Vidya Makan et Karlis Zaid ont joué dans The Lucky Country du Hayes Theatre.Credit: Philip Erbacher

Nous rencontrons Boy (Joseph Althouse), un Thitharr Warra de 13 ans qui, inspiré par le fier art noir de Baker Boy, commence à se rebeller contre les récits des colons australiens enseignés en classe. À partir de là, nous nous éloignons de ces vieilles histoires pour avoir une vision plus large de l'expérience australienne.

À travers des vignettes musicales rapides, nous rencontrons, entre autres : un aspirant nudiste de Byron Bay, un réfugié à Mingoola cultivant un nouveau jardin ; deux Australiens plus âgés de l'extrême nord du Queensland qui trouvent un amour inattendu lors d'une tournée Contiki ; une femme qui affronte les dangers de rentrer seule chez elle la nuit; et l'Australie elle-même, chantant un banger pop sexy sur toutes les façons dont elle pourrait vous assassiner. Le casting – Althouse, Makan, Dyagula, Milo Hartill, Jeffrey Liu, Kristal West et Karlis Zaid – est irrésistible.

Émergeant lentement à travers les numéros - qui sont ludiques, spirituels et désarmants, chorégraphiés par Amy Zhang - est une ligne de subversion et d'exploration à cœur ouvert. Les blagues sont intelligentes et inattendues et les scénarios, tous contenus dans une belle et courte écriture de chansons, sont complexes. Les projections (de Justin Harrison) nous aident à nous situer dans le monde de chaque chanson, et pour la plupart, les transitions entre les chansons et les changements de ton se déplacent avec grâce et charme.

Makan est une conteuse douée, et les chansons qu'elle et Suares ont créées sont extraordinaires. Ils convoquent le temps, le lieu et l'émotion en un instant en pastichant des mélodies tirées de la pop, du rock d'Oz, du hip-hop et du folk. Dans un moment époustouflant, le musicien Billy McPherson émerge avec un yidaki et touche au sublime. Heidi Maguire en tant que directrice musicale maintient le rythme cardiaque du spectacle fort.

Alors que le spectacle se rapproche de sa conclusion, il s'ouvre pour tenir compte de notre histoire de guerre (défiant la glorification des creuseurs), de l'appropriation culturelle et de la responsabilité mondiale, avant de sonder les blessures creusées dans notre histoire nationale par le génocide, les générations volées et le préjudice systémique causé aux Australiens autochtones - tout en honorant la résistance, les cultures, la résilience et l'ingéniosité des premiers peuples qui ont défini et pris soin de cette terre.

Les deux derniers chiffres sont instantanément inoubliables - ils nous rappellent que rien n'est simple à propos de l'Australie et qu'une histoire n'est jamais complète si elle ne nous inclut pas tous. C'est remarquable.

Revu par Cassie Tongue

Les abonnés au Sydney Morning Herald peuvent profiter de billets 2 pour 1* pour l'exposition Archibald, Wynne and Sulman Prizes à la Art Gallery of New South Wales en juin 2023. Cliquez ici pour plus de détails.

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