La parenté de la National Portrait Gallery offre un aperçu réfléchi de nos relations les plus proches

"Les familles sont éternelles - dans le bon, le mauvais et les espaces intermédiaires." Ces mots apparaissent aux côtés du travail de l'artiste Ruth Leonela Buentello à la National Portrait Gallery. Son portrait dynamique fait partie de l'exposition Kinship de la Galerie, la dernière de leur série "Portraiture Now".

Mettant en vedette huit artistes contemporains, Kinship dépeint la complexité des relations humaines à travers divers médias, mettant l'accent sur différentes perspectives sur les interactions intimes. Le placement des œuvres et les contrastes entre les pièces - du papier peint coloré aux œuvres d'art monochromes en passant par les montants de porte - accentuent le rôle de la narration et des souvenirs dans la connexion de différentes générations, cultures et familles. Englobant à la fois les vivants et les morts, le temps est le fil qui relie toutes les œuvres.

Les œuvres de Buentello sont exposées dans une pièce inondée de rose, ses pièces vibrantes se distinguant du papier peint floral. Ses peintures ont des éléments 3D avec l'inclusion de telas, ou tissus, comme le ruban émeraude ornant le bord de "Under the Mexican Colchas" (2012). Cet art multimédia plonge le spectateur dans une pièce intime et chaleureuse, entouré d'une famille assise et se serrant les coudes, explorant la parenté à travers des moments de silence partagé.

Le projet Kinship a débuté en 2018, et la séparation et la perte qui ont suivi pendant la pandémie ont fourni un nouvel angle à l'exposition : trouver l'espoir dans l'obscurité. Le portrait en tant que forme d'art montre la vulnérabilité et les moments privés des familles, mais aussi la communauté qui nous unit.

Lorsque je suis entré dans l'exposition, j'ai été frappé par la salle immédiatement à gauche, abritant l'œuvre vivante de Njideka Akunyili Crosby. Un portrait, "Nkem" (2012), montre son partenaire portant son "costume de sénateur" de leur mariage. Les vêtements traditionnels Igbo et du delta du Niger sont mélangés avec le tissu que l'on trouve dans les vêtements de cérémonie européens. Collées sur son corps, de nombreuses images d'influences de la culture pop américaine contrastent avec la culture nigériane du couple. Un autre portrait montre Crosby et ses frères et sœurs, aux côtés de celui de Thelma Golden, une autorité reconnue dans l'art par les personnes d'ascendance africaine. Selon ses mots, ces portraits "abordent les différentes manières dont nous devenons parents".

La salle suivante de l'exposition contrastait de façon spectaculaire avec les œuvres colorées de Crosby, avec une série de photographies en noir et blanc qui composent "Flint is Family in Three Acts" de LaToya Ruby Frazier (2016-21). Frazier dépeint la créatrice de Flint, Michigan, Shea Cobb et sa famille - qu'elle considère comme des "esprits apparentés" - alors qu'ils luttent contre la crise de l'eau de Flint, reflétant la propre expérience de Frazier avec la pollution toxique à Braddock, en Pennsylvanie. De petits cadres contiennent des images du fils de Cobb se rinçant la bouche avec de l'eau en bouteille et une vue satellite de la ville. À côté d'eux se trouve un portrait plus grand et mis en scène de la famille de Cobb regardant directement le spectateur. Leur humanité brille à travers la douleur brute des portraits, soulignant leur front uni luttant pour la responsabilité au sein du gouvernement. Ces parallèles se sont poursuivis tout au long de l'exposition, se terminant par des personnes capables de boire de l'eau dans leurs mains à partir d'un petit ruisseau qui coule et Cobb debout dans son salon un an plus tard. Alors que sa coloration monochrome a créé un sentiment de distance solennelle par rapport à la crise, cette archive rappelle la victoire de la famille Cobb dans l'éventuelle inculpation des fonctionnaires.

En traversant vers la droite de l'exposition, les portraits prennent une tonalité différente. "Portrait of an Indigenous Womxn [Removed]" (2021) d'Anna Tsouhlarakis rend une affiche de personne disparue encadrée de perles, représentant l'une des nombreuses femmes autochtones disparues. Bien que la parenté et l'amour de Tsouhlarakis pour la grande communauté autochtone prédominent dans son travail, son projet ne se concentre pas uniquement sur le sujet. Au contraire, en tant que membre de la Nation Navajo, elle vise à amplifier les histoires incomplètes de ces femmes autochtones perdues et à éclairer comment ces tragédies négligées affectent la communauté, présentant un autre type de parenté : une avec celles qui souffrent.

La pièce suivante dépeint la parenté de Sedrick Huckaby avec des personnes qui viennent de la même maison. Bien que la parenté ait souvent une forte présence physique, le travail de Huckaby illustre comment elle peut s'étendre à un niveau spirituel. "Connection" (2020) dépasse l'espace 2D pour dépeindre une connexion entre les vivants et les morts. La peinture à l'huile sur le mur présente une figure abstraite avec un crâne pour visage, au premier plan une sculpture enfantine en papier mâché de papier journal assise sur une chaise de bureau sur une plate-forme en bois. Courbé, l'enfant tient un morceau de carton en forme de livre. Cette pièce plie magistralement les restrictions de temps et de distance et montre une parenté qui s'étend à travers les vies, cachée à cause du temps mais néanmoins fortement liée.

Le travail de Jess T. Dugan examine le temps qui passe à travers les générations de sa famille. Ses photographies capturent des moments précieux en famille. Répartis sur les murs à hauteur des yeux, ils confrontent le spectateur à leurs sujets intimes. De nombreux portraits se reflètent : une photographie montre Dugan embrassant son enfant tandis qu'une autre montre sa partenaire, Vanessa, tenant leur enfant dans une douche extérieure. Un autre duo sur des murs opposés représente Dugan embrassant sa femme dans son lit et Dugan posant sa tête sur les genoux de sa mère. Alors que le travail de Dugan est plus explicitement une déclaration sur le manque de représentation de la famille queer dans les espaces culturels, la force de la vulnérabilité familiale exprimée par ces photographies est un thème repris par les huit artistes.

Le couloir reliant les six chambres présente la photographie évocatrice de Thomas Holton. Holton a toujours ressenti une déconnexion entre les côtés opposés de son identité - son héritage chinois et son éducation américaine. En 2003, il a rencontré les Lams, une famille chinoise vivant à New York qui a accepté Holton dans leur maison et a démontré la possibilité de connecter les deux côtés de sa culture. Ce sentiment d'appartenance est devenu le fondement de la définition de Holton de la parenté. A travers ses photographies, il présente des moments intimes entre les deux mondes : les repas de famille autour de la table, les moments d'ennui dans leur appartement de Manhattan, les enfants Lam avec leurs passeports. En regardant l'un des enfants, tous grands et assis dans son nouveau dortoir universitaire, j'ai réalisé à quel point la famille s'était transformée au fil des années. Mais cette appartenance – à la famille et à la culture – est constante. Il ne s'est jamais dissipé, devenant la parenté de Holton.

Alors que Kinship comprend huit définitions du thème principal, une ligne directrice les relie toutes: lorsque la peur s'insinue, que la tristesse tombe sur nous comme une vague, ou que la colère se bat et rugit, la parenté est l'épine dorsale de la façon dont nous prenons la vie.