Donald Kuspit sur Athéna LaTocha

Athena LaTocha, Untitled No. 2 (détail), 2022, encre shellac, terre du cimetière de Green-Wood, sédiments de démolition d'un chantier de Brooklyn et microbilles de verre du département des transports de l'État de New York sur papier, cadre d'artiste en acier brut personnalisé, 18 1⁄2 × 27 × 2".

Si "le médium est le message", comme l'a dit un jour le philosophe Marshall McLuhan, alors le message de l'art d'Athena LaTocha est la mort. Les dix abstractions de techniques mixtes exposées dans l'exposition de l'artiste ici étaient faites de terre - extraite du cimetière Green-Wood de Brooklyn - ainsi que de débris de chantier de démolition, de matériaux de construction pulvérisés et de microbilles de verre utilisées dans la peinture routière, qu'elle s'est procuré auprès du Département des transports de l'État de New York. Les compositions encadrées de LaTocha distillent la mortalité dans un concentré, non dilué par aucune intimation de la vie - à moins qu'elles ne comportent le genre de perle de verre appelée "perle de rocaille", suggérant peut-être que la récupération d'un terrain vague pour le bien de ses efforts créatifs en fait un ingrédient fertile. Que sa terre provienne d'un cimetière l'indique, car Green-Wood n'est pas nécessairement un lieu en friche et morbide, compte tenu de toute la flore et la faune qui l'habitent. L'inséparabilité de la vie et de la mort était-elle le thème implicite de l'exposition de LaTocha ? Sa version de Gotham n'est pas exactement "Fun City", comme l'ancien maire John Lindsay décrivait New York en 1966. C'est plutôt un paradis pour les cueilleurs.

L'artiste Hunkpapa Lakota et Ojibwe basé à Brooklyn a grandi en Alaska. Très tôt, elle a pris conscience des effets dévastateurs des forages pétroliers et gaziers sur la "monumentalité robuste" de son pays d'origine, comme elle l'explique sur son site Web. Sans aucun doute, ses œuvres en sont le memento mori. Dans un sens, LaTocha se réapproprie ce qui a été enlevé aux Amérindiens par le gouvernement des États-Unis. En effet, elle transforme le poison en or : même si son art est issu de l'exploitation et des ténèbres, elle parvient à l'imprégner d'une grande lumière. Prenez Untitled No. 3, 2022, une bande horizontale panachée de blancs, de bruns, de noirs et de rouges moisis qui évoque un paysage sublime au bord de la ruine, ou Untitled No. 4 de la même année, une merveilleuse abstraction qui évoque les peintures de JMW Turner avec sa palette crépusculaire et ses textures orageuses. Les "images" de LaTocha, si c'est ainsi que vous choisissez de les caractériser, sont bordées de cadres en métal sombre. Une telle présentation confère à l'œuvre un caractère résolument funèbre, comme si chaque pièce était amoureusement exposée dans son lourd sarcophage en acier brut.

LaTocha est une artiste protestataire, et sa production occupe une place importante dans l'histoire de l'art féministe et amérindien activiste. Ses images fonctionnent également comme Earthworks, d'une certaine manière, mais pas aussi auto-agrandissantes que Spiral Jetty de Robert Smithson, 1970, ou aussi consommatrices d'espace que New York Earth Room de Walter De Maria, 1977. Au lieu de cela, LaTocha invite le spectateur à une relation intime avec notre planète en déclin et une grande partie des détritus toxiques qui l'ont façonnée. Comme le fait Percy Bysshe Shelley dans son poème "Ozymandias" de 1818, l'artiste exprime le désespoir qui accompagne la mort, plutôt que de le nier avec des illusions de grandeur. "Regardez mes œuvres, vous les puissants, et désespérez !" écrit Shelley. "Rien ne reste à côté. Autour de la décomposition / De cette épave colossale, sans limites et nue / Les sables solitaires et plats s'étendent au loin." Les pièces de cette exposition étaient impitoyablement physiques, subtilement conceptuelles et profondément émotionnelles. Bien que d'échelle et de matériaux modestes, chaque œuvre était gargantuesque dans sa portée et son esprit.

—Donald Kuspit